Uansett om de rømmer tyngdekraftsgrensene, leker med ild eller balanserer en virvlende bøyle, tar dansere og koreografer inn elementer fra de fantastiske, magiske rikene sirkus, nattklubb og til og med barnas leketøy til sofistikerte koreografiske verk, og legger til sitt eget kunstneriske preg i prosessen. Kryssbestøvningen inspirerer til nye måter å bevege seg på, utvider publikum for dans, samt definisjonen av en danser og utvikler helt nye forestillingssteder. I en todelt serie undersøker DS de nyeste trendene innen “ekstrem” dans, populære stiler som driver kunstformen inn i fremtiden.
Hope Dreams
Å spinne en stor ring rundt midten er ikke bare barnas lek lenger. I likhet med ilddans, kom dagens bøyle (“hula” fra navnet) fram fra klubbscenen på midten av 90-tallet, jambandet String Cheese Incident kastet bøyler fra scenen. Publikumsmedlemmer ble hekta og mani spredte seg snart til raves og festivaler som Burning Man Project i Nevada-ørkenen. Da utøvere utviklet et ordforråd av trekk og realiserte de kunstneriske mulighetene, sprang dansebandgrupper opp over hele landet.
Hooping har en lang historie: Det er bevis på at bøyler er brukt som leketøy i det gamle Egypt, Hellas og Roma, spunnet enten rundt livet eller ved siden av kroppen med en pinne. I tillegg inkluderer indianske tradisjoner intrikate bøyle-danser som involverer flere små bøyler spunnet på forskjellige deler av kroppen. I 1958 ble Wham-O’s Hula Hoop en landsomfattende kjepphest og solgte 25 millioner ringer på fire måneder.
Dagens dansebøyler bruker mye tyngre, større bøyler enn hula-bøylen. 'Det er en stor ting hvordan du lager bøylene dine,' forklarer Brent Van Dyke fra New York City-baserte Groovehoops. Skreddersydde bøyler består vanligvis av vanningsrør pakket inn i spesialbånd. Noen har holografiske eller fosforescerende bånd eller til og med et halvt dusin brannpinner på fem-tommers pigger.
Hoop dance, som involverer komplekse trekk i og utenfor bøylen, kan involvere flere artister som spinner synkronisert eller bare en fascinerende solist. Hoopers Christabel Zamor og Anah Reichenbach deler ofte scenen (noen ganger i samme bøyle) og Groovehoops inkluderer fire menn og to kvinner. Men når det gjelder kreativt samarbeid, er først og fremst forholdet til selve bøylen. 'Det er en unik kunstform, og det er veldig personlig,' sier Van Dyke. 'Når du danser med en bøyle, er det som å danse med en partner, men det er bare deg og balansen din og motivasjonen din med bøylen.'
Dansere rapporterer at i stedet for å begrense bevegelsen, fokuserer det som kreves for å opprettholde løkken på bøylen, dem faktisk til å artikulere kroppen sin på måter som ellers ikke kan oppstå for dem. Denne absorpsjonen med den spinnende bøylen kan føre til det Reichenbach kaller 'bøyle-sonen', der utøvere blir fullstendig opptatt av spinning og kan fortsette i flere timer i strekk. 'Følelsen av å være helt levende og mettet med energi er overveldende,' sier Zamor. 'Jeg har drevet med mange andre typer dans, men for meg er det bemerkelsesverdig hvordan bånding skaper en følelse av total frihet.'
Sendingstid
I luftdans kan svevende grand jetés virkelig ta fly. Med opp-ned-arabesker og midtluftspirouetter tar luftdansere sirkustradisjoner og tilfører dem kunstnerisk élan, noe som gir konseptet med å bevege seg gjennom rommet en helt ny betydning.
Luftdans hadde sin begynnelse på 1970-tallet da danseren Terry Sendgraff begynte å innlemme en lavtflygende trapes i forestillingene sine. Anerkjent som pioner innen luftdans, oppfant hun enpunkts trapes hvor tau festet til motsatte sider av en trebjelke møtes overhead på et enkelt punkt, slik at apparatet kan snurre og svinge. Veksten og populariteten til luftdans har resultert i utviklingen av et bredt spekter av apparater, som silke (også kalt vev), bøyler, bungee snorer og mange andre. Selv fjellklatringrigging brukes til å hjelpe dansere med å fly: Det Oakland, CA-baserte Project Bandaloop har opptrådt mens de dingler av ansiktet til El Capitan i Yosemite National Park og utenfor Seattle Space Needle.
Etter hvert som dans har tatt luften, har sirkus også vurdert høytflygende handlinger. Dansere og sirkusartister har lånt trekk fra hverandre, og skillet mellom luftdans og sirkus har blitt stadig vanskeligere å definere. 'For ti år siden handlet sirkusantenne mer om' ta da '-faktoren - det ville være triks, triks, positur,' sier Elsie Smith fra Brattleboro, VT-baserte Gemini Trapeze. «Musikk kan kjøre i bakgrunnen, men var ikke så mye en del av bevegelseskvaliteten til handlingen. Det er ikke sant lenger. Det er lufthandlinger selv i veldig tradisjonelle sirkus som inkluderer dansekvaliteter. ' I luftdansverk er utøvere på bakken og i luften ofte sammenhengende, mens de fleste sirkushandlinger generelt er avhengige av at utøvere forblir i luften. 'Når det er en forbindelse mellom personen på gulvet og oppover, er det et vakkert ekteskap,' sier Josie Walsh, kunstnerisk leder for Los Angeles-baserte MYO Productions. 'Jeg kan lage bilder ovenfra og under.'
Luftdans kan gi et rush av adrenalin — for publikum og utøvere. 'Å bli løftet på skuldrene til en partner er annerledes enn å være 15 meter i luften,' sier Nancy Smith, kunstnerisk leder for Frequent Flyers Productions, Inc. 'Både faren og fryktfaktoren er høyere.' Sikkerhetsregler inkluderer å vite når du skal slutte. 'Så snart du går utover en viss fysisk bevissthet og drar, er du i en farlig situasjon,' fortsetter hun. 'Du kan bare skyve så langt, fordi du må være i stand til å komme deg trygt tilbake til bakken.'
Luftdans har blitt et slikt fenomen at det arrangeres en årlig festival i Boulder, CO, organisert av Nancy Smith. Det er et sted for dansere å dele ideer, ta kurs og ta igjen hva andre tropper gjør. For øyeblikket er det bare himmelen som er grensen. 'Aerial åpner en annen verden,' sier Walsh. «Det er en ekte gave til en koreograf. Det er som å ha en annen dimensjon. Det er absolutt utfordrende, men det er veldig kult. '
Nåde under ild
Branndans var en av de hotteste tusenårstrendene for å slå motkulturen. Midt i mengden av hobbyister dukket det opp profesjonelle branndansgrupper som brukte et flammespor for å forlenge strømmen av en arm i port de bras eller for å gi et strålende ekko til en bevegelse. Disse dansemakerne trekker på den fascinerende intensiteten til flammen som et sentralt element i sofistikerte teaterverk.
Brannsnurr er den vanligste måten å danse med ild på. Spinnere bruker deretter , et redskap som opprinnelig ble utviklet av Maori, urbefolkningen i New Zealand, bestående av kabel eller lenker med kuler i hver ende. Brann deretter erstatter kulene med to kevlar-veker. Brannutøvere trekker også på tradisjonene med brannbruk i kinesiske domstolsopptredener, så vel som ildspising av europeisk commedia dell’arte. Listen over mulige apparater har eksplodert de siste årene, fra staber til håndstemmer, fans, sverd og til og med flammende hodepinner.
Det er noen få begrensninger - utøvere kan ikke være fysisk over flammene lenge, og fordi forbrenningstiden vanligvis er tre til ti minutter, må lengre arbeider bygge overganger. Selv om ilddans utføres på mange arenaer (og ofte er stedsspesifikk), er det viktig å ha et stort rom for å la røykene spre seg. Ettersom konkrete omgivelser er ideelle, holdes forestillinger ofte utendørs.
Sikkerhetsregler er viktig. Utøvere må være veldig kjent med bevegelsene de vil utføre før de tenner flammen, og det er viktig å sørge for at det ikke er noe brennbart i nærheten (inkludert hår som skal bindes tilbake). Kostymer er laget av flammehemmende materiale. 'Det er varmt,' innrømmer Paul Weir fra Flam Chen, en Tucson-basert branndansgruppe. 'Du blir brent av og til, vanligvis veldig små forbrenninger du ikke engang merker.'
Til tross for flammens hypnotiserende kraft, kommer kunstnerisk innhold først for branndansbedrifter, som bruker ild for å forbedre forestillingen i stedet for bare å stole på den lette spenningen med branntriks. 'Vi prøver ikke å være bare brannspinnere,' sier Weir. “Vi prøver å lage forestillingene som om alt vi hadde var dans og teaterferdigheter for å fortelle en historie. Det er lett å underholde folk med ild, så i stedet tenker vi på bevegelsen som helhet. '